Domingo, 20 abril 2014

Juan de los muertos es una película cubana, de zombis, escrita y dirigida por Alejandro Brugués, que a mí personalmente me ha gustado bastante y que consiguió el Goya a mejor película hispanoamericana en 2012.

Critica de la película Juan de los muertos

Sin olvidar el género del que trata el film y lo limitado que suelen ser los presupuestos cubanos para el cine, Brugués consigue un gran resultado contando la historia de Juan (Alexis Díaz de Villegas) que cuando se ve inmerso en un apocalipsis zombi, monta un negocio para ayudar los demás a deshacerse de la amenaza con el eslogan: “Juan de los muertos, matamos a sus seres queridos”.

Más cerca de una película de clase b (algo típico de este género), Juan de los muertos, trata con humor, muchos tópicos de estos films y hace una buena crítica social, como cuando acusa a los zombis de disidentes (algo que también suele predominar en este género). Además incorpora algo que nunca había visto en una película de zombis, como es ver a éstos durmiendo… curioso y gracioso a la vez.

Juan de los muertos - película cubana

El reparto bastante corto (sin contar los innumerables extras que hacen de zombis) cuenta con la joven española Andrea Duro, que interpreta a la hija de Juan y que me parece el personaje más flojo de todos. No sé si porque el personaje no me encaja demasiado en la historia o porque me cuesta diferenciar a Andrea Duro de “La Yolí”… eso sí, no deja de ser agradable verla en pantalla.

En definitiva, Juan de los muertos resulta ser una película entretenida que no creo que desagrade a los incondicionales de este género., aunque es probable que algunas cosas se pasen por alto si se desconoce en demasía la cultura cubana.

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Atención: Las opiniones aquí vertidas provienen de la mas profunda subjetividad del autor y de un gratuito prejuicio sobre los trailers de los estrenos de la semana. No nos hacemos responsables de hipótesis que puedan acabar en spoilers. Si difieres con alguna opinión, abajo están los comentarios.

El pasado: Después de cuatro años de separación, Ahmad viaja de Teherán a París a petición de Marie, su esposa francesa, para resolver los tramites de su divorcio. Allí descubrirá la conflictiva relación entre Marie y su hija.

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Jueves, 17 abril 2014

Se dice del cine que es una fábrica de sueños. Muchos han sido los artesanos que han fabricado con sus mentes grandes y mágicas historias que a todos nos han cautivado. Partiendo del mago pionero que fue Méliès hasta llegar a los magos actuales quienes, más que jugar con las técnicas que también los hay, lo que hacen es jugar con nuestras mentes. Lo hacen a través de su inconsciente, un inconsciente que posee la propia materia del sueño y que fascina por la tangibilidad manifiesta que se produce al ser mostrada ante nuestros ojos.

Critica de la pelicula ocho y medio y de Federico Fellini

Pero los sueños tienen varias facetas, casi tantas como directores hay. Mientras unos se dedican a la cara oscura y perturbadora de los sueños, David Lynch podría ser el ejemplo más claro, otros se sienten atraídos por la parta más irónica, la más sugerente, la más surrealista. Entre estos últimos, el más claro exponente es Federico Fellini.

Su filmografía está repleta de sueños, de gente grotesca, de ensueños e imaginaciones. De esperpentos, de mujeres maravillosas, de divinidades.

Ocho y medio es la obra que lo aúna todo. Su genialidad se ve desbordada en la película. La historia de un director que padeciendo estrés se retira a un sanatorio para poder empezar a trabajar en su nueva película, pronto nos transporta a un estado de ensueño. La sensación de volatilidad se extiende en cada uno de los fotogramas, en cada una de las frases del guión, en todos y cada uno de los magníficos personajes. Una volatilidad que empieza ya por el propio protagonista, Guido (Marcello Mastroianni), un director que tras él arrastra al alter ego del propio Fellini.

Ocho y medio (Otto e mezzo)

Es sueño puro. Nos movemos de una estancia a otra sin viajar, sin camino. Los traumas, miedos, la nostalgia, las preocupaciones, los amores, todo lo que el director lleva en su interior queda expuesto. Ocho y medio es un enorme regalo que el director nos hace. Desde la inolvidable melodía creada por Nino Rota, hasta personajes tan pintorescos como Saraghina y su rumba o la dulce enfermera “voladora” (Claudia Cardinale). Escenas impagables como la inicial, repleta de la angustia que ahoga al director o ese emocionante final donde todos los monstruos del director salen a la luz, unidos, descargando así el peso que sobre su creador se cernía.

Ocho y medio es sueño, es cine, es un regalo de un director que se atrevió a desnudarse ante todos, sin tapujos, sin miedos. Una película para degustar.

Ocho y media de Federico Fellini
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Miércoles, 16 abril 2014

La película de María Antonieta cosechó un gran número de elogios y de críticas cuando se estrenó en 2006. Sofia Coppola, directora y guionista, no dejó indiferente a nadie con esta biopic de la reina de Francia que consiguió un Oscar al mejor vestuario y tres nominaciones en los BAFTA.

Al frente del reparto encontramos a Kirsten Dunst como María Antonieta, una chica de 14 años que llega al país galo para contraer matrimonio con el delfín de Francia, Luis XVI, interpretado por Jason Schwartzman.

Durante las dos horas de film, Coppola cuenta las vivencias de la joven en la corte hasta el estallido de la revolución francesa. Se retrata a una María Antonieta inmadura que es obligada a vivir en un ambiente frívolo y falso donde no llega a adaptarse y que, al mismo tiempo, tampoco llega a ser comprendida por su pueblo.

Se trata de una apuesta muy arriesgada de Sofía Coppola. Basándose en el libro de la historiadora británica Antonia Fraser, “María Antonieta, la última reina”, la directora no duda en reinventar a un personaje histórico tan controvertido como este.

Critica de la pelicula Maria Antonieta de Sofia Coppola

No se trata de una película al uso sobre la Revolución Francesa o sobre la vida en la Francia del Siglo XVIII. Sino que, en lugar de eso, Coppola construye su película sobre la Reina de Francia, destruyendo algunas de las leyendas de María Antonieta.

Se representa a María Antonieta como una joven de nuestro tiempo que solo piensa en divertirse y en eludir responsabilidades. Una chica infantil e inmadura que se podría comparar con cualquier personaje juvenil de las películas actuales. Reflejo de esto es, por ejemplo, la escena del baile de las máscaras que poco tiene que envidiar a los locos bailes de final de curso de las películas americanas.

La directora maneja muy bien los recursos audiovisuales y la película fusiona diversos estilos estéticos. Desde el inicio, Coppola manifiesta sus intenciones al utilizar letreros de tipografía moderna a color fucsia sobre fondo negro para los títulos de crédito. También son habituales los anacronismos tal y como ejemplifica el plano de unas zapatillas Converse en una secuencia sobre zapatos de época. La película se desarrolla en una estética pop modernista y de lenguaje publicitario que en muchas ocasiones parece un videoclip de la MTV o un anuncio.

Maria antonieta 2006 protagonizada por Kirsten Dunst

La música es otro de los aspectos que más destacan en la película. La banda sonora está formada por diversos estilos que van desde el post punk moderno hasta la ópera y la música del siglo XVIII pasando por el new wave, el rock o el pop. Canciones como “I want candy” o “All cats are grey” de The Cure se mezclan con temas de estilo más clásico como “Jynweythek Ylow” de Aphex Twin. Se toma la licencia de utilizar música moderna para una película ambientada en el siglo XVIII y, con ello, consigue un producto innovador, personal, original y de gran calidad cultural.

En la película de Sofía Coppola, se puede apreciar cierta perspectiva de género. Evidentemente, no es que María Antonieta tuviera concienciación de género sino que Coppola le atribuye a su personaje ciertas actitudes feministas. Por ejemplo, cuando decide vivir independiente en una finca o con su escarceo amoroso. Sin embargo, la época y las circunstancias de su vida condicionan lo que se considera su perspectiva de género. Las tradiciones de la aristocracia o los convencionalismos de la sociedad del siglo XVIII no permitían que una mujer de la época se comportara con libertad y sin tapujos.

Se trata, por tanto, de una película del siglo XVIII pero que poco tiene que ver con una película histórica. De hecho, tanto la estética como el estilo se identifican más con el posmodernismo de los años 80 del XX.

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Lunes, 14 abril 2014

Una sala repleta de invitados. Entre ellos se destaca la figura de un hombre que realiza un discurso de presentación narrando al público y a los presentes las bondades de la homenajeada. Pero pronto vemos que lo que se oye y lo que se ve no se corresponde. Se crea en la imagen la dualidad que demuestra que los actos no siempre se corresponden con lo que se dice, produciéndose de este modo falsedad, elemento que centraliza las acciones de la película de la que hoy vamos a hablar.

Eva al desnudo, escrita y dirigida por Joseph L. Mankiewicz es una de las obras maestras del cine. En ella se explica la historia de Eva Harrington una aspirante a actriz que no duda en usar a quien le sea posible para alcanzar su propósito.

Critica de la película Eva al desnudo

Un magnífico guión y los intensos diálogos de la película crean un huracán que te arrastra hasta el mismo centro sin posibilidad de escape alguna. El centro de todo ello, no es Eva como pueda parecer, sino Margo Chaning. La actriz reputada que sufrirá en sus carnes la succión de la admiradora-sanguijuela que pretende robarle todo lo que posee.

Brillantes las interpretaciones de las dos protagonistas principales, Anne Baxter y sobretodo Bette Davies quien nos deslumbra escena tras escena, emoción tras emoción, gesto tras gesto. Una obra de lucimiento personal que deja perplejo ante tamaña maestría.

Eva al desnudo (All About Eve)

Una sociedad llena de gente sin escrúpulos, que se empeña en usar al prójimo para lograr sus objetivos, sin límites establecidos. Una sociedad cubierta de falsedades e inseguridades, que obliga a protegerse de cualquiera. Un juego de supervivencia con el teatro como telón de fondo y como excusa para representar lo que no es más que una exposición de la cotidiana realidad.

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